XXI Temporada Internacional de Danza “Soliloquios y Diálogos Bailados”

Iniciará la temporada de Soliloquios y diálogos bailados de 2012 en el Centro Cultural Los Talleres, se realizará del 17 de Febrero al 18 de Marzo con ese sello distintivo del trabajo interpretativo inmerso en la intimidad de un foro acogedor y la búsqueda de la ideas innovadoras en la creación. Se convierte prácticamente en la temporada que inaugura las presentaciones de danza contemporánea en la ciudad de México. Gracias a la autonomía de gestión de Los Talleres ue no tienen que esperar a “que llegue el presupuesto”. Esta condición ayuda también en la elección de los artistas que integran la programación.

Entre los que se presentarán se encuentran de Japón (Kaoru Ikeda, Katsura Kan), Argentina (Rhea Volij, Maria José Goldin, Federico Valdés), Ecuador (Talia Falconi) y México integrantes de: Ballet Independiente, Laura Rocha, Yseye Appleton, Paola Aimée, Karina Suárez, Isabel Beteta y Rosario Verea. Un panorama diverso de generaciones, estilos y nacionalidades. Sin embrago, tienen en común estar inmersos en la búsqueda de propuestas inmersas en la innovación
Esto puede significar un reto pero también una contradicción porque la búsqueda es un proceso que puede no tener el mismo fin en todos los participantes de la experiencia artística.

“Soliloquios y Diálogos Bailados” llega a su edición número veintiuno, después de conmemorar dos décadas y celebrar con una revisión de tendencias de la danza hasta la actualidad. Inicia una nueva etapa ya adentrada en el siglo XXI con una riqueza creativa que puede verse reflejada en su programación que va de la Danza-teatro a ejercicios dancísticos que tienen más un rasgo performativo o conceptual.

Ya sabemos que el formato se da a través de programas compartidos de “solos” o duetos. Y en esta ocasión se subrayará también el espacio compartido entre artistas nacionales y extranjeros. En donde a menudo hay similitudes pero no un deseo de homogeneidad. Imposible en la danza actual.

Todos los programas son destacables, pero entre los detalles que puedo destacar se encuentra la presencia de Katsura Kan uno importante exponente de Butoh, que se presentará con las obras: Time Machine y Voyage. “En la primera Kan presenta su cuerpo como una máquina que transita a través del tiempo que es una unidad, un todo, un viaje; la segunda pieza, basada en la teoría del filósofo griego Empédocles acerca del amor y el odio que habitan como una sola figura en el Ser Humano”. Su presencia da un rasgo que viene repitiéndose en Los Talleres, la visita a México y a este Centro Cultural de importantes artistas del Butoh que comparten los misterios de esta posibilidad de expresión de la naturaleza humana.

De manera personal, me gustará ver a Laura Rocha de nuevo en escena, de manera similar como lo hiciera hace años Cecilia Appleton. Ambas pertenecen a una importante generación de artistas identificados con aportaciones significativas en las últimas décadas del siglo XX, en el terreno interpretativo, coreográfico y organizativo. Una posibilidad de re -encuentro con forma personal de bailar, pero también con las preocupaciones que la alimentan en este momento. Ella interpretará una coreografía llamada: En tu ausencia… como luz en el camino, “obra que habla de la madurez, la fortaleza y la sabiduría de la mujer, y que dedica a una de las personas que más fortaleza y apoyo ha dado a su vida como mujer, bailarina y artista: su madre”.

Me gustará ver de nuevo y en este espacio dos obras que ya conozco “Traslación” de Paola Aimée y con ella continuar esta disquisición baialda en torno a la modernidad y la postmodernidad, un tema inagtable. Y también la interpretación compartida ente un música: Federico Valdez y la bailarina Talia Falconi que presentarán escenas de su obra: “Música para pelucas” un pleno ejecicio de la creatividad sin prejuicios.

Desde luego, como es su costumbre de entrega incesante, Isabel Beteta nos entregará un estreno: Recuerdos, esos fragmentos de vida, con la colaboración de Rosario Berea. Ellas nos anticipan para abrir boca una declaración de intenciones: a través del uso novedoso del espacio escénico plantean esos momentos cuando que se evocan los recuerdos; una obra cargada de nostalgia pero que también busca desentrañar de qué están hechos los recuerdos y que sentido le dan a nuestra vida”.

Nos queda ir a confrontarnos con la danza actual que crece en la riqueza de su diversidad, que se contradice y se reafirma: una posibilidad creativa vital. Las funciones son los viernes a las 20 horas, los sábados a las 19 horas y los domingos a las 18 horas. El Centro Cultural Los Talleres está ubicado en Francisco Sosa No. 29, en el Centro Histórico de Coyoacán

Anatomía de un elefante polar

 En la literatura universal aparecen esas combinaciones fantásticas, por ejemplo los centauros: mitad equino, mitad hombre, producto de la mitología y de la fantasía humanas. Pero también hay combinaciones que, a pesar de jugar con el sentido común, podríamos llamarlas naturales, como el ornitorrinco.

Ahora acudimos al inicio de lo que sus creadores dieron por llamar la Caravana del Elefante. Se trata del itinerario de una creación que combina imaginación y talento. Quien va en caravana es un elefantepolar, Podríamos exclamar: ¡Recorcholis!

¿Un híbrido más? Combinación entre el trópico y las temperaturas gélidas. Descubierto en alguna expedición a los confines de la tierra. Más bien es una iniciativa creativa consecuencia de la unión de actividades humanas en apariencia contradictorias: arte con compromiso social y visión emprendedora en el terreno cultural.

Esta es una iniciativa de la agrupación Triciclo Rojo a quienes conocemos por su trabajo en las artes escénicas para niños, en un género sui generis, la danza clown. Ya una combinación que se mueve en un territorio de la diversidad creativa que cautiva  a uno de los públicos más exigentes: el infantil.

No conformes con sus logros artísticos quieren que estos se difundan y sean compartidos por mucha más gente, por las personas con carencias de bienes y servicios culturales. De ahí surge la propuesta de ir en caravana, como los antiguos artistas, juglares o comediantes de la legua. Pero a diferencia de estos que iban sólo con su capacidad interpretativa y el acervo de obras, Triciclo rojo se lleva la casa teatral con ellos, la infraestructura necesaria para que las personas pueda apreciar en mejores condiciones artísticas los que se les ofrece artísticamente.

Entonces pensaron en crear una estructura teatral flexible que le dieron el nombre de Elfantepolar para llevar su arte y el de otras agrupaciones colaboradoras a zonas marginadas, en donde no existe una infraestructura teatral.

Describiré ahora la anatomía de este ser, mitad creación de la imaginación, mitad un medio real para difundir la cultura entre los niños y sus familias. Es paquidermo por su fortaleza, aunque ligero para avanzar distancias y caminos de nuestro país. Fortaleza en la estructura física y organizativa. En lo físico es de metal, pero con la agilidad para armarse y desarmarse en poco tiempo. Es una estructura metálica, como un enorme esqueleto, para la actuación. Su piel es una lona inflable que hace las veces de techumbre que cubre el escenario y semeja un enorme iglú (¿de ahí vendrá lo polar? Tiene equipo de sonido e iluminación. Se puede apreciar ya listo a caminar en www.elefantepolar.com.

La fortaleza la expresa también en su organización, en la manera en que ha sido planteado su funcionamiento. Desde la programación, la búsqueda de financiamiento para pagar su construcción y sus presentaciones. Emiliano y Natalia Cárdenas, directores e integrantes de Triciclo Rojo, van más allá de la solicitud a las instituciones para que cumplan con su deber de promover la cultura entre los niños, sino que asumen compromisos y con su trabajo financian parte de la  construcción y operación. Otra parte se la plantean a las instituciones públicas y privadas, pero como una forma de retribución a la sociedad, de ahí su firme compromiso.

El Elefantepolar entonces aboga por lo sensible pero también es muy objetivo al pensar en como existir. Combina el ideal de llevar el arte por todas partes, pero también busca resolver las necesidades de organización y financiamiento. En este sentido, no es un quimera, sino un ser generado de la imaginación que quiere existir en un mundo en que sólo se piensa en los negocios y no se entiende la depredación que se hace del planeta.

Raúl Flores Canelo a veinte años

Al maestro Flores Canelo lo conocí en persona en la década de los ochentas y entonces se acrecentó su señera figura. Ya portaba los años que lo hacían ver entre un dandy maduro y un quijote moderno. Desde luego empecé con el conocimiento de sus obras, como a Martha Graham, José Limón o Pina Bausch quienes sin haberlos saludado, sabemos de su personalidad y entrega al arte, a través del contacto con sus obras.

Raúl Flores Canelo fue uno de esos seres que se beben la vida no a pequeños sorbos, sino a grandes y placenteros tragos. De esta manera de existir toman los elementos que nutren su esplendorosa obra.

En la actualidad se enseñorea cada vez más la profundidad de sus temas y las formas como decidió abordarlos. En sentido llano podemos afirmar que lo mexicano impregna su obra. Como Juan Rulfo o Diego Rivera, pero sin duda en cada uno de ellos lo mexicano tiene rasgos distintivos. De las raíces del campo, esa madre tierra que daba a nacer a sus hijos posteriormente la niegan y la vilipendian, que la abandonan para construir esos espacios llenos de contradicciones llamados ciudades.

Flores Canelo es todo un personaje dentro de una galería de sus propios personajes. A quienes vivió para imaginarlos transformados en escena, haciéndolos más vulnerables pero también más entrañables. Los personajes de la ciudad “ojerosa y pintada”, como dijera Agustín Yañez, conviven en su obra con un aire de ingenuidad perdida en el trayecto de lo provinciano a lo citadino. Un mundo en apariencia idílico que muestra los dientes de la miseria humana que se burla de su propia condición. De sus temas y personajes nos han hablado, y bien, César Delgado y Cristina Mendoza, en sendos libros; profusas investigaciones de la vida y obra del maestro. Y escribir más a detalle de esto es motivo de otros textos.

Ahora rindamos tributo a un creador fallecido hace dos décadas (3 de febrero) que sin embargo, no nos ha dejado. En parte por el afán de Magnolia Flores de sostener a viento y marea al Ballet Independiente, el hijo predilecto de Raúl Flores Canelo. Esta agrupación artística ya se acerca a los cincuenta años de existencia, medio siglo en que sin duda han pasado infinidad de sucesos en la vida nacional. Tiempo también de cambios artísticos, en donde estilos van y estilos vienen. Técnicas artísticas aparecen como grandes innovaciones, al tiempo que son substituidas por otras y luego…vuelven a aparecer. También gobiernos van y vienen con su idea (o negación) sobre lo que entienden sobre el apoyo al arte y la cultura.

En este panorama no todo ha sido miel y hojuelas para el Ballet Independiente, y sí han probado más la hiel y la precariedad, aun cuando vivía el propio maestro Canelo. Él mismo tenía que afrontar la búsqueda de apoyos para el sostenimiento de su proyecto artístico. Luego, sin él, Magnolia Flores ha afrontado diversas situaciones para continuar con la compañía.

Un tema aparte pero con relación con lo anterior es la vigencia de la obra del maestro Flores Canelo que, dicho sea de paso, es un cuestionamiento a la vigencia de todo creador de arte contemporáneo escénico. Con la idea de lo efímero justificamos la desaparición del patrimonio cultural que construya la danza escénica, constituido por las obras y estilos creados por artistas nacionales con valor simbólico y artístico. Si bien lo vio algún espectador y lo recuerda a medias no es suficiente, puede y debe pasar a nuevas generaciones, como sucede con los libros o las pinturas. Así se construye un legado formado por un conjunto destacable de manifestaciones artísticas diferenciables de todo el universo de creaciones, por la permanencia y valoración que le da una comunidad. Sine embargo, por la intención de una desbocada originalidad se carcomen las creaciones precedentes dejándolas en el abandono y el olvido.

Desde luego no hay que negar una condición contradictoria, el carácter escénico de la danza de concierto que le impone las cualidades de creación, producción y percepción que en una época determinada se imponen. Así se crea conforme a los temas y formas de un momento histórico, cuando imperan ciertas visiones sociales y políticas o el desarrollo artístico de ese instante; así como las formas de producción económicas y las artísticas que desde luego determinan estilos. Raúl Flores Canelo generó un estilo de danza de sus obras por el conocimiento técnico de sus bailarines diferente al que ahora y producir sus coreografías con elementos de vestuario y escenografía esenciales. Pero eso sí con la posibilidad de bailar en el Palacio de Bellas Artes con mayor frecuencia que ahora que hay un mayo número de grupos que aspiran llegar a este escenario. También bailar con un núcleo de bailarines en número mayor que los grupos que tienen en promedio seis y ocho bailarines.

Y luego las formas de percepción y consumo desde luego cambian con el tiempo. Sin duda la forma de ver una coreografía también corresponde al momento en que fue creada: Mirar ahora la trilogía sobre Ramón López Velarde a la luz de una sociedad que no conoce al poeta jerezano o que el ritmo de sus agobios cotidianos de la vida diaria y las nuevas tecnologías nos hacen leer de otra manera la poesía. Y no afirmo que ya no hay capacidad de percibir y comprender ni la poesía ni la danza inspirada en el mundo poético y en sí misma un poema coreográfico, sino que las sensibilidades cambian ahora más habituadas a la traducción visual de lo que en otro tiempo fueron evocaciones simbólicas.

En este sentido el Ballet Independiente ha vivido y vive contradicciones surgidas de la intención de difundir el legado del maestro Raúl Flores Canelo. Vislumbro las más evidentes:

a)    Preservar como un acto museístico, un rescate que raya en lo arqueológico que intenta detener el tiempo. Probablemente se logró con buenos resultados cuando, como las compañías de grandes artistas( compañía de Martha Graham de José Limón, etc) cmantienen a un núcleo de los bailarines y maestros originales. Pero cuando estos se van y llegan nuevas generaciones la intención parece impostada, más actuada que real.

b)     La continuidad, acto de prolongar el legado materializándolo como una herencia a través de la participación de diferentes coreógrafos. Bien en quienes fueron sus alumnos o en los que se reconocen influencias estilísticas. Por ejemplo: Silvia Unzueta o José Ribera. Pero no pudieron o no quisieron quedarse.

c)     La ampliación de panorama Pero más difícil cuando se intenta abrir el panorama para convertirse en una compañía versátil con repertorios actuales que probablemente no tengan que ver nada con las obras de Raúl Flores Canelo. Una opción válida pero difícil.

Bajo mi opinión personal. Lo que más ha funcionado es la invitación a coreógrafos de los que podríamos llamar “línea estilística emparentada” con el maestro. Un ejemplo claro lo fue la participación de Lidya Romero con esas preocupaciones por lo urbano-cotidiano. Otro que siempre se me ha antojado como probable coreógrafo del Ballet Independiente es el otro Raúl (Parrao) trabajando con temas que lo emparentan con el maestro Raúl (Flores Canelo), esa idea de comerse a la ciudad de México con sus habitantes de la noche y sus seres marginales, aunque cada uno en una época diferente.

Magnolia Flores tiene un gran compromiso, ella lo sabe y lo asume, en la búsqueda de la continuidad de un proyecto artístico que nos permite tener atisbos al pasado pero ubicados en el presente cambiante y contradictorio. Un caldo de cultivo tan atractivo como el que vivió el maestro Raúl Flores Canelo y que nos invita a seguir disfrutando de la danza.

 

 

El año de la esperanza

Cada termino de año tengo la tentación de señalar el próximo periodo que empieza como el año en que vivimos en peligro, rememorando el título de una película. Esto como consecuencia de la tremenda situación que vivimos en el país y en el mundo. Sin embargo, en esta ocasión quiero pensar en un título alentador. el año que probablemente tendremos muchas oprtunidades. El año de 2012 así poría ser.

Si bien la situación económica sigue siendo crítica, no se antoja tan extema como en otros países. Si bien la violencia sigue presente, también es cierto que las medidas para resolverla no cesan y sobre todo ahora ya avisoramos más allá de la balas para combatir balas.

El próximo es un año electoral en México. Se renovará la presidencia de la república y muhcos cargos de representación. Esto nos dará la oportunidad de elegir y antes de ello, proponer ante los diversos candidatos el camino a seguir. Por supuesto no hay la certeza de ser escuchados pero sí la de expresar nuestras ideas.

En el terreno de la cultura y las artes, un presupuesto que al menos no fue recesivo permitirá continuar con diversos proyectos y proponer otros. No obstante en este terreno tenemos que reforzr aún más el cuidado de la transparencia y el cumplimiento del derecho a la cultura ya expresado en la Consotitución Política de los Estados Unidos Mexicanos pero que aún no se hace cumplir por la falta del reglamento correspondiente. Hay ya en su aplkcación práctica una serie de exigencias que algunos organismos o no entienden o no quieren hacer cumplir.

De aqui se deriva el año de la esperanza,  de la posibilidad de hacer cumplir un derecho; de aplicar recursos para propiciar un acceso más equitativo al arte por sectores desprotegidso y más amplios de la población. Una demanda que puede ser electoral y aunque no reditue muchos votos para los candidatos si dará un terreno más fértil para la gobernabildad de una nación que tiene riesgo de recesión y de ruptura.

Cómo lograrlo? Sólo con demandas o plegandonos a progrmas electoreos?  Sin duda como una contante participación ciudadana en la definición de políticas culturales y esto se abre coyunturalmente en el inicio de cad periodo de gobierno.

La letra no asegura la aplicaicón del programa o la Ley. Luego sigue el seguimiento y la exigibilidad del derecho. Una ardua tarea pero a fin de cuentas lo único que nos asegura una vida más digna a partir de lo cultural y no sólo del miedo transmitido a diario por mensajes y políticas de gobiernos o por acciones de la delincuencia.

Veremos el grado de concreción de la esperanza en realidad. No como un recurso retórico que nos reincorporé en la fe y creencia en la vida, sino en un verdadero fundamento de existencia.

 

¿Ir o ver al cine?

Acudir a un cine parece ser el fin último de una cadena de valor dentro de la industria cinematográfica a pesar de sabemos que incluye  todo un proceso amplio que involucra a una serie de profesionales y artistas que ejercen su trabajo creativo.  Probablemente por ello la pregunta a responder en la Encuesta Nacional de Hábitos, Prácticas y Consumo Cultural realizado por CONACULTA apela al cuestionamiento de cuantas personas han acudido al cine. Es a fin de cuentas la forma convencional de comprender el consumo cultural en el cine.

La  convergencia de las nuevas tecnologías nos trae emparejado la posibilidad de utilizar nuevas “ventanas,” es decir, nuevos medios para comunicarnos, para distribuir,  consumir y para apreciar de otra manera el arte y la cultura. El cine trajo la posibilidad de ver imágenes y de estar en contacto con ideas, historias y sentimientos de forma masiva, reiterativa y transmisible en múltiples países. El cine es el ejemplo de las posibilidades de la globalización en el arte. Aunque muchos ven en él un instrumento de dominación y desde luego un negocio, al ser una industria cultural muy rentable.

Pero desde luego no para todos los que participan en la cadena de valor. Existe un desequilibrio de las ganancias que pueden tener los distribuidores comparado con los beneficios económicos de los productores y creativos que participan en un proyecto cinematográfico. Los grandes corporativos y las cadenas de cines reciben la mayor parte de los ingresos generados por taquilla.

Cuando hablamos de otras “ventanas”, hablamos de las posibilidades de acceso de las imágenes y obras cinematográficas a través del internet, de copias en video y todos los soportes electrónicos habidos y por haber. Las descargas de películas y videos en computadoras, celulares, ipod, mp4, entre otros instrumentos crecen cada año. Entonces deberíamos preguntarnos y preocuparnos si la gente “ve cine” más que si la gente “va al cine”. Porque esto no pone frente a una serie de retos y cuestionamientos.

Los primeros tienen que ver con las múltiples posibilidades de acceso de la cultura visual a través de las nuevas tecnologías y las implicaciones del derecho de autor, aún no hay mucho al respecto, aunque sí intentos por reprimir como intento de hacer respetar el acceso legal de la cultura. Parece ser que el encarcelamiento de los jóvenes que manejan sitios de descarga no ha sido la solución. Las más amplias batallas en el mundo digital están por darse y México es aún un campo fértil. La mejor respuesta es la búsqueda de otros modelos de negocio que puedan equilibrar el respeto del derecho de autor y el otorgamiento de regalías a los creadores que se obtenga por precios accesibles para la gente. Una intención en este sentido es iTunes.

Otro reto es aprovechar son las posibilidades de ofrecer a aquellas obras que pueden contribuir a una cultura general de la población. Más que una regulación en torno a que ver y no que ver si una posibilidad de poner al alcance de la gente obras de la cinematografía nacional e internacional que puedan contribuir a su desarrollo personal. Aquellas que no son del interés de los grandes corporativos, porque no son negocio.

¿Cómo acceder al cine nacional o el llamado de arte? Si no hay posibilidades de pantalla y los ciclos de grandes directores ya son cosa del pasado. ¿Estamos condenados a no tener una idea de la historia del cine, a ya no disfrutar filmografías importantes en la formación sentimental de cualquier persona y sucumbir a la programación de películas comerciales?

La demanda está abandonada a la deriva y condicionada a la oferta de nuevo a los “bestsellers”, al comercio de obras de moda, de escándalo o que algunos intereses quieren poner en circulación por otras “ventanas”.

Desde luego debemos ir más allá de una pregunta desorientada en una encuesta, pero esto nos da una idea de la noción política cultural en torno a la cultura audiovisual que tenemos. Una política pública que le importa más los resultados de las grandes operadoras comerciales que la educación sentimental y audiovisual de nuestra gente.

Y reiterando el tamaño de los absurdos. Desde luego le será imposible ir a uno de nuestros compatriotas acudir a un cine en la sierra oaxaqueña o de Chihuahua, aunque si son el objeto, aunque no contenido, de esos “spots” de televisión que nos hacen ver las bellezas mexicanas.

 

La extracción de la piedra de la locura vía el arte escénico

 

 

“una mirada desde la alcantarilla

puede ser una visión del mundo

la rebelión consiste en mirar una rosa

hasta pulverizarse los ojos”

De Árbol de Diana Aljandra Pizarnik

 

El artista contemporáneo Raul Parrao eligió hace tiempo como motivo de una de sus creaciones la vida y la obra de Alejandra Pizarnik, la artista y poeta argentina que pronto se convirtió en un mito mucho más por fin trágico que por la calidad de su obra literaria.

A Parrao y Pizarnik los une la irreverencia y la necesidad de ir a la complejidad empleando lenguajes diferentes: Parrao lo escénico, Pizarnik lo literario. Sin embargo, aquí parece haber una contradicción, lo escénico sobre todo lo contemporáneo acostumbra negar la narratividad y encontrar otra poética que no sea la de la palabra escrita por encontrarla atada al pasado de los seres humanos.

En La extracción de la locura. Pizarnik (Fragmentos para dominar el silencio) el director de UX Onodanza logra amalgamar las preocupaciones y la figura de la poeta para entregarnos una creación de múltiples lecturas. La primera y más obvia, la formal nos da una coreografía no entregada a las modas de los visual-tecnológico, del uso de video. Crea un ambiente consecuente con lo que quiere mostrar. Es el ámbito de la vida después de la muerte, el de la intimidad del hogar ella, es el sendero de la locura y de la genialidad y el de una poética que no tiene que ver con el lirismo cándido, si no con las obsesiones personales convertidas en apasionamiento.

Entonces UX Onodanza utiliza objetos como los discos de acetato y un tocadiscos, hay un incienso que olemos a la distancia, un biombo con cortinas deslizables, una banca rodeada de plantas y rostros infantiles, una silla en forma de mano. Todos con una enorme carga emotiva y significativa. Cualquiera podría darle una carga surrealista, pero no lo creo. Por definición, lo surreal es cosas reales en situaciones irreales, pero yo veo colocado en una situación si bien extrema reconocible en una realidad.

La segunda lectura es la de las cargas emotivas y esto hace a la obra muy contemporánea. La entrega de la interprete Verónica Macías Wong como consecuencia del trabajo de dirección del maestro Parrao es muy encomiable. La obra exige diferentes recursos artísticos para la bailarina: manejo corporal al extremo, gesticulación, ritmo teatral, uso de la voz, interpretación de un personaje y todo esto gracias a la comprensión de una existencia. Y sin duda, Raúl Parrao y Verónica lo han hecho.

Luego viene la tercera lectura: la elección escénica e términos de técnica y estilo. Ahora que resurge el término de arte emergente y las acciones más “contemporáneas” que niegan constantemente cualquier estilo, género o técnica. Creo que si bien las posibilidades son inagotables hay dos caminos principales: la profundización de las técnicas y estilos y/o el descubrimiento de otras basadas en la interpretación y creatividad.

Raul Parrao descubre gracias a que profundiza. Tal parece que le quedó muy marcada la afirmación de la Pizarnik: “No quiero ir nada más que hasta el fondo”. Y esto puede leerse de dos maneras, hasta el fondo de la creación o hasta el fondo de la existencia. Parece que la autora de la Condesa sangrienta al tocar niveles mayores de complejidad tocó también los de la desesperación que la condujeron al suicidio.

Parrao entra a la profundidad del ánimo de la poeta y a la exigencia no sólo formal sino interpretativa. Plantea una creación transversal, no sólo interdisciplinaria. Juega con planos temporales y espaciales. Inicia la coreografía con el personaje tirado en el piso, en el después de la muerte y busca recrear ese momento. ¿Alguien sabe cómo se está uno después de la muerte? Los artistas, los verdaderos artistas, se toman esa incógnita universal. Pero esto es sólo es el comienzo de un recorrido a los espacios múltiples de una personalidad genial.

Luego el coreógrafo explota las posibilidades del cuerpo puede deformarlo, puede pedirle que sufra, el gesticule que hable, que baile motivado siempre por el impulso de un personaje que se mueve en un mundo que no puede dominar.

Raul Parrao extrae la piedra de la locura para mostrárnosla como un diamante diverso, en esto la genialidad de Alejandra Pizarnik, que va de un plano, de un estado de ánimo, de un sentimiento a otro. Un personaje desbordado en todo momento, un comportamiento apasionado, pero que ante la normalidad social es un comportamiento de locura.

Regreso a la idea de transversalidad. Lo transversal es la forma en que espacios o disciplinas se tocan y crean espacios y momentos de comunión, pero no deja de ser ellos mismos. Así el teatro, emplea en La extracción de la locura es más amplio y profundo que fortalece a la coreografía, pero no deja de ser teatro, así mismo pasa con la danza, se deja tocar y fortalece por el teatro pero no deja de ser danza. Esto a diferencia de otros creadores que quieren a fuerza crear híbridos.

El deleite de la obra de Raul Parrao con interpretación de Verónica Macías en el Teatro Legaria es con el descubrimiento de una belleza desconocida en el descubrimiento de un arte comprometido consigo mismo.

La obra se puede ver hasta el 19 de junio, jueves y viernes 6 p.m., sábado 7 p.m. y domingo 6 p.m.

 

Los museos abiertos el domingo por la tarde

Es una premisa básica suponer que los museos deben estar abiertos los domingos, el día de la semana cuando la gente tiene tiempo libre y posibilidades de acudir. Sobre esta premisa citaré dos circunstancias contrastantes. El Museo Reina Sofía de España prepara una ley que entre sus apartados incluye abrir los domingos por la tarde. Y la otra circunstancia que quiero citar es el hecho del riesgo del cierre de los domingos, todo el día, de los museos del INBA, un hecho que sucedió hace años. Inclusive el teatro de la Danza sí lo hizo. ¿El motivo? La limitación del presupuesto para pagar las horas extras a los empleados, técnicos y administrativos, de cada recinto.

Claro que ambas posibilidades se resuelven con medidas económicas y administrativas. La primera se refiere al presupuesto suficiente para operar un museo pero la pregunta obvia es cuanto es necesario, cuando se requiere de recursos de mantenimiento de los inmuebles y el pago de honorarios, ya no se diga el dinero para adquirir obra y enriquecer el acervo. Un camino que puede volverse infinito sin una visión innovadora.

La segunda vertiente de medidas, las administrativas, ayudan sin duda a utilizar de manera más eficaz el presupuesto.  La flexibilidad en el manejo de recursos y trámites es esencial para un museo. Y su autonomía para conseguir apoyos externos. Los museos en México dependen en su mayor parte del presupuesto oficial y su trabajo para obtener recursos de otras fuentes se limitan por la normatividad. Sin duda los incentivos para que la iniciativa privada participe en el apoyo a los museos son limitados.

Otro punto en el terreno administrativo es el de las relaciones laborales, los contratos y las condiciones de trabajo que hacen que cualquier actividad de un recinto dependa de los trabajadores desde sus definiciones sindicalizadas y no de trabajadores colaboradores que amplían el trabajo creativo y de difusión de un museo.

En ambos casos las propuestas tendrían que tocar inclusive la modificación de la normatividad y las leyes. El Museo Reina Sofía modificará su estatuto a “organismo público con estatuto específico”. Que le permitirá tener transformaciones aplicables dentro de dos años. Si nosotros no comenzamos ya entonces seguiremos como hasta ahora. Esto no significa como algunos agoreros suponen privatizar los recintos, sino orientarlos a las necesidades contemporáneas de la difusión cultural.

Apertura de visión de manejo de los recintos culturales permitirá no sólo “abrir los domingos”, sino abrir más vías para que jóvenes, niños y adultos se interesen en nuestra vida cultural y en el patrimonio nacional e internacional presente en los museos.

Los hombres que no amaban a las mujeres

Me había negado a leer está noble por tener rasgos de “betseller”, presencia en todos los estantes de librerías y centros comerciales. Sin embargo, terminé la lectura y encuentro elementos gratificantes para la lectura que también son rasgos de “betseller”. Leig Larsson, su autor, murió hace poco aumentando un elemento más a la construcción de una leyendo en beneficio de la mercadotecnia.

¿Qué hay en Los hombres que no amaban a las mujeres? Una galería de personajes contemporáneos: un periodista de investigación, una redactora en jefe de una revista, una hacker, una joven desaparecida, obsesos sexuales, una familia poderosa, entre otros. Y una trama que se va enredando entre la investigación de una desaparición y la aparición de fraudes, misterios, violencia y el mundo de la información y las nuevas tecnologías.

Hay una mancuerna de protagonistas muy creíbles y contrastantes: Mikael Blomkvist y Lisbeth Salander. Un periodista, directivo de una revista Millennium con problemas por una demanda de difamación que es contratado por un empresario Henrik Vanger, para que investigue el homicidio de su Harriet Vanger. Por otro lado, Lisbeth, la chica flacucha llena de tatuajes, una desadaptada social con una gran habilidad como “hacker” que se incorporará a a investigación.

El campo de su investigación es un microcosmos de la sociedad sueca, a la vez de la sociedad contemporánea: Hedestad. Un poblado en donde viven varios de los integrantes de la familia Vanger. Un ambiente que va creando la intriga que parece una historia de pecados entre una familia, pero va más allá, llega a los problemas de toda una sociedad: la violencia y los abusos sexuales sin remordimientos, pero también los abuso sociales y económicos en el ámbito financiero y de las comunicaciones.

Probablemente esto es lo que hace a la historia interesante, es contemporánea, por actual. Algunos de los temas que toca la novela los hemos visto en las noticias de los medios de comunicación. He inclusive estos se convierten en tema de la historia.

Lo que causa una terrible envidia es que a pesar de tener las mis faltas en nuestros países en desarrollo la forma de tratarlos, de presentarlos ante los medios y de resolverlos distan mucho. Aquí aún tenemos esperanzas de poder llevara juicio y que reciban castigo los que cometen homicidios y delitos como los señalados en la novela.

Otro rasgo, son las relaciones personales entre los personajes. Una asombrosa muestra de sentimientos y reflexiones ante las relaciones de pareja y ante la visión de los géneros.  Este es una de los rasgos más importantes y que le da fortaleza. Lo que piensa y como actúa Lisbeth le da la forma de uno de los personajes más interesantes de los últimos tiempos. Aunque claro es consecuencia de los tiempos que vivimos.

Un ser desencantado y que tiene problemas para entablar relaciones con los demás, que odia que la toquen, con una capacidad de reaccionar con tal violencia y a la vez ser noble, es consecuencia de la vida actual del contacto en las redes sociales y el desencuentro en las vida cotidiana.

La novela ya tiene su versión cinematográfica que desde luego no correré a conocer. Me quedo con la imagen que tengo de los personajes y la historia. Tampoco correré a leer el resto de la trilogía. Conservo el gusto por la lectura de un “bestseller” que no me defraudo.

DIA DEL LIBRO 2011

El 23 de abril se celebra en el mundo el Día del Libro y el Derecho de Autor. En México se suele dar un ímpetu para solventar las deficiencias diarias de fomento a esta actividad primordial. Aparecen las acusaciones y los remordimientos en torno a la cantidad reducida de lectores y lecturas,  datos incluidos desde luego en la Encuesta Nacional de hábitos, prácticas y consumos culturales. Un instrumento nos arroja datos tan reveladores como que la principal respuesta a la pregunta de por qué no se compra un libro o no se acude a una biblioteca es la de que “no le gusta leer”.

No se ha logrado la afición por la lectura que transcenderá en la formación integral de las personas y en el medio de aprendizaje entre los estudiantes. Un gusto que nazca desde muy jóvenes y los acompañe en toda la vida, inclusive la profesional. Sin embargo, una de las carencias de nuestros estudiantes es, lo sabemos, sus limitaciones en el hábito de lectura y su dificultad de comprender lo que leen.

Y sin embargo, programas van y vienen. Se declara a México “un país de lectores”, se “Lee de boleto en el metro” a diestra y siniestra se inauguran salas de lectura y parece que el avance es reducido.

¿Dónde está la falla? Creo en la imposibilidad de articular programas y estrategias integrados al sistema educativo. En las deficiencias en articular esfuerzos entre producción editorial, fomento a la lectura, actividades literarias. Y uno más grave en el desconocimiento de los lectores. Muy a menudo, como en la mayoría de las políticas culturales, se fomenta la oferta: becas a escritores, publicaciones de libros y revistas, pero muy poco o nada a la demanda.
Sólo uniendo: Libro, Lectura y Lectores. Y esto significa que con mayor frecuencia se publique lo que a la gente le interesa y se comprenda que las formas de lecturas se están modificando. Seguir publicando sólo en papel, los textos que sólo a algunos escritores les importa sin conocer las posibilidades de lectura de los nuevos medios de comunicación y las tecnologías de la información, y sin conocer sobre todo el gusto de los jóvenes. Es sin duda alguna estar desperdiciando esfuerzos.

El mensaje de Irina Bokova, Direcrtora General de la UNESCO, inicia con una frase muy elocuente: “los libros son al mismo tiempo objeto e idea” . Pero como objetos ya no sólo tienen la forma del papel y como idea, no sólo se encuentra en una hoja, tienen como el aleph de Borges, mil y un posibilidades de plasmarse en la imaginación y la mente humanas.

Su texto la directora de la UNESCO habla de las posibilidades del futuro del libro y de hecho esta institución los pone como tema de un próximo encuentro. Pero también señala una riqueza y una responsabilidad: los libros son los pilares de las sociedades libres y abiertas. Por ello hay que protegerlos y poner su riqueza a disposición de 800 millones de personas en el mundo que aún no saben leer

Se solicita cisne negro (II)

Para poder ejercer el derecho a la cultura de todos los mexicanos precisamente necesitamos más compañías de arte y entre ellas las de Ballet.

Es obvio como en todo campo productivo y la danza no es una excepción: al aumentar la inversión en producción y educación se aumenta el consumo, me explico.

A mayor cantidad de compañías de ballet que tengan la producción de más obras en posibilidades de ser bailadas, el público aumenta. El consumo de la danza aumentará cuando haya más danza. Y esto se relaciona con el aumento de la población tenemos más población con necesidades de servicios y bienes culturales y artísticos.

A mayor producción mayor necesidad de bailarines profesionales. Y por ende una mayor necesidad de escuelas y planes profesionales de estudios.

Desde luego otros factores de la cadena productiva influyen. En particular la promoción. Por ejemplo, la Compañía Nacional de Danza no sólo hace una temporada en el Palacio de Bellas Artes, sino una serie de propuestas en espacios más populares: el lago y el castillo de Chapultepec; la sala Miguel Covarubias y su de nuevo, clásica, temporada en el Auditorio Nacional.

Por supuesto, que imaginamos la necesidad de acudir a otros espacios acercándose más todavía a la gente. Han hecho funciones en delegaciones, pero no en todas. Y en esto pensamos la necesidad de otras agrupaciones con propuestas flexibles, grupos de cámara, con programas didácticos en donde tengan cabida más bailarines. Ocupar eso nichos que por limitaciones obvias ya no puede llegar la Compañía Nacional de Danza.

Ejemplos en este sentido lo hace Ardentía. Pero aún sin la ayuda necesaria. Y sí a veces prejuicios que no consideran su propuesta tan pertinente o lucidora como la CND. Ellos ocupan, dan lugar a jóvenes bailarines de Ballet y a invitados.

En labores de promoción desde luego han ayudado iniciativas independientes. Como no mencionar la iniciativa de Arcelia de la Peña y Ars Tempo que ha traído a valiosos exponentes del Ballet a temporadas en el Auditorio Nacional: Kirov, Bolshoi, entre otros.

Desde luego, que el acceso aun es limitado porque significa la posibilidad de pagar un boleto que a veces mucha gente no lo puede pagar. A estas iniciativas se suma ahora la transmisión de Ballet de destacadas compañías del mundo en versión digital en el propio Auditorio Nacional.

Otra iniciativa destacable y actual es Opera Prima, un “reality show” con el tema del ballet. Aunque creo que este programa provocará más el ánimo de los niños y jóvenes a practicar y aprender el ballet que a personas a acudir a funciones de este arte. Sin embargo, muy bienvenida esta propuesta.

Bien regresando al terreno productivo y como producción es inversión cabe preguntarnos: ¿Quién produce en este país las propuestas de Ballet? En el caso de Arcelia y Ars Tempo fue un inversión privada, iniciativa civil que arriesgaba su dinero para traer una propuesta artística de calidad. Hasta cierto grado y tiempo le resultó.

El Estado es el principal inversor en materia de danza cuando se trata de propuestas profesionales de calidad, de riesgo o de conservación del patrimonio. El Estado patrocina a la Compañía Nacional de Danza y al programa Opera Prima.

Pero también es cierto que existen infinidad de iniciativas privadas, entendidas como de la sociedad civil, que promueven el Ballet sobre todo en los estados de la República donde hay infinidad de academias, niños y jóvenes aprendiendo y practicando el Ballet pero no compañías ni apoyo oficiales. Opciones que desde luego alimentan el 3% de los que han asistido a una representación de Ballet. ¿O acaso imaginamos que casi tres millones de personas son el público de la Compañía Nacional de Danza?