Si bien la situación económica sigue siendo crítica, no se antoja tan extema como en otros países. Si bien la violencia sigue presente, también es cierto que las medidas para resolverla no cesan y sobre todo ahora ya avisoramos más allá de la balas para combatir balas.

El próximo es un año electoral en México. Se renovará la presidencia de la república y muhcos cargos de representación. Esto nos dará la oportunidad de elegir y antes de ello, proponer ante los diversos candidatos el camino a seguir. Por supuesto no hay la certeza de ser escuchados pero sí la de expresar nuestras ideas.

En el terreno de la cultura y las artes, un presupuesto que al menos no fue recesivo permitirá continuar con diversos proyectos y proponer otros. No obstante en este terreno tenemos que reforzr aún más el cuidado de la transparencia y el cumplimiento del derecho a la cultura ya expresado en la Consotitución Política de los Estados Unidos Mexicanos pero que aún no se hace cumplir por la falta del reglamento correspondiente. Hay ya en su aplkcación práctica una serie de exigencias que algunos organismos o no entienden o no quieren hacer cumplir.

De aqui se deriva el año de la esperanza,  de la posibilidad de hacer cumplir un derecho; de aplicar recursos para propiciar un acceso más equitativo al arte por sectores desprotegidso y más amplios de la población. Una demanda que puede ser electoral y aunque no reditue muchos votos para los candidatos si dará un terreno más fértil para la gobernabildad de una nación que tiene riesgo de recesión y de ruptura.

Cómo lograrlo? Sólo con demandas o plegandonos a progrmas electoreos?  Sin duda como una contante participación ciudadana en la definición de políticas culturales y esto se abre coyunturalmente en el inicio de cad periodo de gobierno.

La letra no asegura la aplicaicón del programa o la Ley. Luego sigue el seguimiento y la exigibilidad del derecho. Una ardua tarea pero a fin de cuentas lo único que nos asegura una vida más digna a partir de lo cultural y no sólo del miedo transmitido a diario por mensajes y políticas de gobiernos o por acciones de la delincuencia.

Veremos el grado de concreción de la esperanza en realidad. No como un recurso retórico que nos reincorporé en la fe y creencia en la vida, sino en un verdadero fundamento de existencia.

La  convergencia de las nuevas tecnologías nos trae emparejado la posibilidad de utilizar nuevas “ventanas,” es decir, nuevos medios para comunicarnos, para distribuir,  consumir y para apreciar de otra manera el arte y la cultura. El cine trajo la posibilidad de ver imágenes y de estar en contacto con ideas, historias y sentimientos de forma masiva, reiterativa y transmisible en múltiples países. El cine es el ejemplo de las posibilidades de la globalización en el arte. Aunque muchos ven en él un instrumento de dominación y desde luego un negocio, al ser una industria cultural muy rentable.

Pero desde luego no para todos los que participan en la cadena de valor. Existe un desequilibrio de las ganancias que pueden tener los distribuidores comparado con los beneficios económicos de los productores y creativos que participan en un proyecto cinematográfico. Los grandes corporativos y las cadenas de cines reciben la mayor parte de los ingresos generados por taquilla.

Cuando hablamos de otras “ventanas”, hablamos de las posibilidades de acceso de las imágenes y obras cinematográficas a través del internet, de copias en video y todos los soportes electrónicos habidos y por haber. Las descargas de películas y videos en computadoras, celulares, ipod, mp4, entre otros instrumentos crecen cada año. Entonces deberíamos preguntarnos y preocuparnos si la gente “ve cine” más que si la gente “va al cine”. Porque esto no pone frente a una serie de retos y cuestionamientos.

Los primeros tienen que ver con las múltiples posibilidades de acceso de la cultura visual a través de las nuevas tecnologías y las implicaciones del derecho de autor, aún no hay mucho al respecto, aunque sí intentos por reprimir como intento de hacer respetar el acceso legal de la cultura. Parece ser que el encarcelamiento de los jóvenes que manejan sitios de descarga no ha sido la solución. Las más amplias batallas en el mundo digital están por darse y México es aún un campo fértil. La mejor respuesta es la búsqueda de otros modelos de negocio que puedan equilibrar el respeto del derecho de autor y el otorgamiento de regalías a los creadores que se obtenga por precios accesibles para la gente. Una intención en este sentido es iTunes.

Otro reto es aprovechar son las posibilidades de ofrecer a aquellas obras que pueden contribuir a una cultura general de la población. Más que una regulación en torno a que ver y no que ver si una posibilidad de poner al alcance de la gente obras de la cinematografía nacional e internacional que puedan contribuir a su desarrollo personal. Aquellas que no son del interés de los grandes corporativos, porque no son negocio.

¿Cómo acceder al cine nacional o el llamado de arte? Si no hay posibilidades de pantalla y los ciclos de grandes directores ya son cosa del pasado. ¿Estamos condenados a no tener una idea de la historia del cine, a ya no disfrutar filmografías importantes en la formación sentimental de cualquier persona y sucumbir a la programación de películas comerciales?

La demanda está abandonada a la deriva y condicionada a la oferta de nuevo a los “bestsellers”, al comercio de obras de moda, de escándalo o que algunos intereses quieren poner en circulación por otras “ventanas”.

Desde luego debemos ir más allá de una pregunta desorientada en una encuesta, pero esto nos da una idea de la noción política cultural en torno a la cultura audiovisual que tenemos. Una política pública que le importa más los resultados de las grandes operadoras comerciales que la educación sentimental y audiovisual de nuestra gente.

Y reiterando el tamaño de los absurdos. Desde luego le será imposible ir a uno de nuestros compatriotas acudir a un cine en la sierra oaxaqueña o de Chihuahua, aunque si son el objeto, aunque no contenido, de esos “spots” de televisión que nos hacen ver las bellezas mexicanas.

“una mirada desde la alcantarilla

puede ser una visión del mundo

la rebelión consiste en mirar una rosa

hasta pulverizarse los ojos”

De Árbol de Diana Aljandra Pizarnik

El artista contemporáneo Raul Parrao eligió hace tiempo como motivo de una de sus creaciones la vida y la obra de Alejandra Pizarnik, la artista y poeta argentina que pronto se convirtió en un mito mucho más por fin trágico que por la calidad de su obra literaria.

A Parrao y Pizarnik los une la irreverencia y la necesidad de ir a la complejidad empleando lenguajes diferentes: Parrao lo escénico, Pizarnik lo literario. Sin embargo, aquí parece haber una contradicción, lo escénico sobre todo lo contemporáneo acostumbra negar la narratividad y encontrar otra poética que no sea la de la palabra escrita por encontrarla atada al pasado de los seres humanos.

En La extracción de la locura. Pizarnik (Fragmentos para dominar el silencio) el director de UX Onodanza logra amalgamar las preocupaciones y la figura de la poeta para entregarnos una creación de múltiples lecturas. La primera y más obvia, la formal nos da una coreografía no entregada a las modas de los visual-tecnológico, del uso de video. Crea un ambiente consecuente con lo que quiere mostrar. Es el ámbito de la vida después de la muerte, el de la intimidad del hogar ella, es el sendero de la locura y de la genialidad y el de una poética que no tiene que ver con el lirismo cándido, si no con las obsesiones personales convertidas en apasionamiento.

Entonces UX Onodanza utiliza objetos como los discos de acetato y un tocadiscos, hay un incienso que olemos a la distancia, un biombo con cortinas deslizables, una banca rodeada de plantas y rostros infantiles, una silla en forma de mano. Todos con una enorme carga emotiva y significativa. Cualquiera podría darle una carga surrealista, pero no lo creo. Por definición, lo surreal es cosas reales en situaciones irreales, pero yo veo colocado en una situación si bien extrema reconocible en una realidad.

La segunda lectura es la de las cargas emotivas y esto hace a la obra muy contemporánea. La entrega de la interprete Verónica Macías Wong como consecuencia del trabajo de dirección del maestro Parrao es muy encomiable. La obra exige diferentes recursos artísticos para la bailarina: manejo corporal al extremo, gesticulación, ritmo teatral, uso de la voz, interpretación de un personaje y todo esto gracias a la comprensión de una existencia. Y sin duda, Raúl Parrao y Verónica lo han hecho.

Luego viene la tercera lectura: la elección escénica e términos de técnica y estilo. Ahora que resurge el término de arte emergente y las acciones más “contemporáneas” que niegan constantemente cualquier estilo, género o técnica. Creo que si bien las posibilidades son inagotables hay dos caminos principales: la profundización de las técnicas y estilos y/o el descubrimiento de otras basadas en la interpretación y creatividad.

Raul Parrao descubre gracias a que profundiza. Tal parece que le quedó muy marcada la afirmación de la Pizarnik: “No quiero ir nada más que hasta el fondo”. Y esto puede leerse de dos maneras, hasta el fondo de la creación o hasta el fondo de la existencia. Parece que la autora de la Condesa sangrienta al tocar niveles mayores de complejidad tocó también los de la desesperación que la condujeron al suicidio.

Parrao entra a la profundidad del ánimo de la poeta y a la exigencia no sólo formal sino interpretativa. Plantea una creación transversal, no sólo interdisciplinaria. Juega con planos temporales y espaciales. Inicia la coreografía con el personaje tirado en el piso, en el después de la muerte y busca recrear ese momento. ¿Alguien sabe cómo se está uno después de la muerte? Los artistas, los verdaderos artistas, se toman esa incógnita universal. Pero esto es sólo es el comienzo de un recorrido a los espacios múltiples de una personalidad genial.

Luego el coreógrafo explota las posibilidades del cuerpo puede deformarlo, puede pedirle que sufra, el gesticule que hable, que baile motivado siempre por el impulso de un personaje que se mueve en un mundo que no puede dominar.

Raul Parrao extrae la piedra de la locura para mostrárnosla como un diamante diverso, en esto la genialidad de Alejandra Pizarnik, que va de un plano, de un estado de ánimo, de un sentimiento a otro. Un personaje desbordado en todo momento, un comportamiento apasionado, pero que ante la normalidad social es un comportamiento de locura.

Regreso a la idea de transversalidad. Lo transversal es la forma en que espacios o disciplinas se tocan y crean espacios y momentos de comunión, pero no deja de ser ellos mismos. Así el teatro, emplea en La extracción de la locura es más amplio y profundo que fortalece a la coreografía, pero no deja de ser teatro, así mismo pasa con la danza, se deja tocar y fortalece por el teatro pero no deja de ser danza. Esto a diferencia de otros creadores que quieren a fuerza crear híbridos.

El deleite de la obra de Raul Parrao con interpretación de Verónica Macías en el Teatro Legaria es con el descubrimiento de una belleza desconocida en el descubrimiento de un arte comprometido consigo mismo.

La obra se puede ver hasta el 19 de junio, jueves y viernes 6 p.m., sábado 7 p.m. y domingo 6 p.m.

Claro que ambas posibilidades se resuelven con medidas económicas y administrativas. La primera se refiere al presupuesto suficiente para operar un museo pero la pregunta obvia es cuanto es necesario, cuando se requiere de recursos de mantenimiento de los inmuebles y el pago de honorarios, ya no se diga el dinero para adquirir obra y enriquecer el acervo. Un camino que puede volverse infinito sin una visión innovadora.

La segunda vertiente de medidas, las administrativas, ayudan sin duda a utilizar de manera más eficaz el presupuesto.  La flexibilidad en el manejo de recursos y trámites es esencial para un museo. Y su autonomía para conseguir apoyos externos. Los museos en México dependen en su mayor parte del presupuesto oficial y su trabajo para obtener recursos de otras fuentes se limitan por la normatividad. Sin duda los incentivos para que la iniciativa privada participe en el apoyo a los museos son limitados.

Otro punto en el terreno administrativo es el de las relaciones laborales, los contratos y las condiciones de trabajo que hacen que cualquier actividad de un recinto dependa de los trabajadores desde sus definiciones sindicalizadas y no de trabajadores colaboradores que amplían el trabajo creativo y de difusión de un museo.

En ambos casos las propuestas tendrían que tocar inclusive la modificación de la normatividad y las leyes. El Museo Reina Sofía modificará su estatuto a “organismo público con estatuto específico”. Que le permitirá tener transformaciones aplicables dentro de dos años. Si nosotros no comenzamos ya entonces seguiremos como hasta ahora. Esto no significa como algunos agoreros suponen privatizar los recintos, sino orientarlos a las necesidades contemporáneas de la difusión cultural.

Apertura de visión de manejo de los recintos culturales permitirá no sólo “abrir los domingos”, sino abrir más vías para que jóvenes, niños y adultos se interesen en nuestra vida cultural y en el patrimonio nacional e internacional presente en los museos.

¿Qué hay en Los hombres que no amaban a las mujeres? Una galería de personajes contemporáneos: un periodista de investigación, una redactora en jefe de una revista, una hacker, una joven desaparecida, obsesos sexuales, una familia poderosa, entre otros. Y una trama que se va enredando entre la investigación de una desaparición y la aparición de fraudes, misterios, violencia y el mundo de la información y las nuevas tecnologías.

Hay una mancuerna de protagonistas muy creíbles y contrastantes: Mikael Blomkvist y Lisbeth Salander. Un periodista, directivo de una revista Millennium con problemas por una demanda de difamación que es contratado por un empresario Henrik Vanger, para que investigue el homicidio de su Harriet Vanger. Por otro lado, Lisbeth, la chica flacucha llena de tatuajes, una desadaptada social con una gran habilidad como “hacker” que se incorporará a a investigación.

El campo de su investigación es un microcosmos de la sociedad sueca, a la vez de la sociedad contemporánea: Hedestad. Un poblado en donde viven varios de los integrantes de la familia Vanger. Un ambiente que va creando la intriga que parece una historia de pecados entre una familia, pero va más allá, llega a los problemas de toda una sociedad: la violencia y los abusos sexuales sin remordimientos, pero también los abuso sociales y económicos en el ámbito financiero y de las comunicaciones.

Probablemente esto es lo que hace a la historia interesante, es contemporánea, por actual. Algunos de los temas que toca la novela los hemos visto en las noticias de los medios de comunicación. He inclusive estos se convierten en tema de la historia.

Lo que causa una terrible envidia es que a pesar de tener las mis faltas en nuestros países en desarrollo la forma de tratarlos, de presentarlos ante los medios y de resolverlos distan mucho. Aquí aún tenemos esperanzas de poder llevara juicio y que reciban castigo los que cometen homicidios y delitos como los señalados en la novela.

Otro rasgo, son las relaciones personales entre los personajes. Una asombrosa muestra de sentimientos y reflexiones ante las relaciones de pareja y ante la visión de los géneros.  Este es una de los rasgos más importantes y que le da fortaleza. Lo que piensa y como actúa Lisbeth le da la forma de uno de los personajes más interesantes de los últimos tiempos. Aunque claro es consecuencia de los tiempos que vivimos.

Un ser desencantado y que tiene problemas para entablar relaciones con los demás, que odia que la toquen, con una capacidad de reaccionar con tal violencia y a la vez ser noble, es consecuencia de la vida actual del contacto en las redes sociales y el desencuentro en las vida cotidiana.

La novela ya tiene su versión cinematográfica que desde luego no correré a conocer. Me quedo con la imagen que tengo de los personajes y la historia. Tampoco correré a leer el resto de la trilogía. Conservo el gusto por la lectura de un “bestseller” que no me defraudo.

No se ha logrado la afición por la lectura que transcenderá en la formación integral de las personas y en el medio de aprendizaje entre los estudiantes. Un gusto que nazca desde muy jóvenes y los acompañe en toda la vida, inclusive la profesional. Sin embargo, una de las carencias de nuestros estudiantes es, lo sabemos, sus limitaciones en el hábito de lectura y su dificultad de comprender lo que leen.

Y sin embargo, programas van y vienen. Se declara a México “un país de lectores”, se “Lee de boleto en el metro” a diestra y siniestra se inauguran salas de lectura y parece que el avance es reducido.

¿Dónde está la falla? Creo en la imposibilidad de articular programas y estrategias integrados al sistema educativo. En las deficiencias en articular esfuerzos entre producción editorial, fomento a la lectura, actividades literarias. Y uno más grave en el desconocimiento de los lectores. Muy a menudo, como en la mayoría de las políticas culturales, se fomenta la oferta: becas a escritores, publicaciones de libros y revistas, pero muy poco o nada a la demanda.
Sólo uniendo: Libro, Lectura y Lectores. Y esto significa que con mayor frecuencia se publique lo que a la gente le interesa y se comprenda que las formas de lecturas se están modificando. Seguir publicando sólo en papel, los textos que sólo a algunos escritores les importa sin conocer las posibilidades de lectura de los nuevos medios de comunicación y las tecnologías de la información, y sin conocer sobre todo el gusto de los jóvenes. Es sin duda alguna estar desperdiciando esfuerzos.

El mensaje de Irina Bokova, Direcrtora General de la UNESCO, inicia con una frase muy elocuente: “los libros son al mismo tiempo objeto e idea” . Pero como objetos ya no sólo tienen la forma del papel y como idea, no sólo se encuentra en una hoja, tienen como el aleph de Borges, mil y un posibilidades de plasmarse en la imaginación y la mente humanas.

Su texto la directora de la UNESCO habla de las posibilidades del futuro del libro y de hecho esta institución los pone como tema de un próximo encuentro. Pero también señala una riqueza y una responsabilidad: los libros son los pilares de las sociedades libres y abiertas. Por ello hay que protegerlos y poner su riqueza a disposición de 800 millones de personas en el mundo que aún no saben leer

Es obvio como en todo campo productivo y la danza no es una excepción: al aumentar la inversión en producción y educación se aumenta el consumo, me explico.

A mayor cantidad de compañías de ballet que tengan la producción de más obras en posibilidades de ser bailadas, el público aumenta. El consumo de la danza aumentará cuando haya más danza. Y esto se relaciona con el aumento de la población tenemos más población con necesidades de servicios y bienes culturales y artísticos.

A mayor producción mayor necesidad de bailarines profesionales. Y por ende una mayor necesidad de escuelas y planes profesionales de estudios.

Desde luego otros factores de la cadena productiva influyen. En particular la promoción. Por ejemplo, la Compañía Nacional de Danza no sólo hace una temporada en el Palacio de Bellas Artes, sino una serie de propuestas en espacios más populares: el lago y el castillo de Chapultepec; la sala Miguel Covarubias y su de nuevo, clásica, temporada en el Auditorio Nacional.

Por supuesto, que imaginamos la necesidad de acudir a otros espacios acercándose más todavía a la gente. Han hecho funciones en delegaciones, pero no en todas. Y en esto pensamos la necesidad de otras agrupaciones con propuestas flexibles, grupos de cámara, con programas didácticos en donde tengan cabida más bailarines. Ocupar eso nichos que por limitaciones obvias ya no puede llegar la Compañía Nacional de Danza.

Ejemplos en este sentido lo hace Ardentía. Pero aún sin la ayuda necesaria. Y sí a veces prejuicios que no consideran su propuesta tan pertinente o lucidora como la CND. Ellos ocupan, dan lugar a jóvenes bailarines de Ballet y a invitados.

En labores de promoción desde luego han ayudado iniciativas independientes. Como no mencionar la iniciativa de Arcelia de la Peña y Ars Tempo que ha traído a valiosos exponentes del Ballet a temporadas en el Auditorio Nacional: Kirov, Bolshoi, entre otros.

Desde luego, que el acceso aun es limitado porque significa la posibilidad de pagar un boleto que a veces mucha gente no lo puede pagar. A estas iniciativas se suma ahora la transmisión de Ballet de destacadas compañías del mundo en versión digital en el propio Auditorio Nacional.

Otra iniciativa destacable y actual es Opera Prima, un “reality show” con el tema del ballet. Aunque creo que este programa provocará más el ánimo de los niños y jóvenes a practicar y aprender el ballet que a personas a acudir a funciones de este arte. Sin embargo, muy bienvenida esta propuesta.

Bien regresando al terreno productivo y como producción es inversión cabe preguntarnos: ¿Quién produce en este país las propuestas de Ballet? En el caso de Arcelia y Ars Tempo fue un inversión privada, iniciativa civil que arriesgaba su dinero para traer una propuesta artística de calidad. Hasta cierto grado y tiempo le resultó.

El Estado es el principal inversor en materia de danza cuando se trata de propuestas profesionales de calidad, de riesgo o de conservación del patrimonio. El Estado patrocina a la Compañía Nacional de Danza y al programa Opera Prima.

Pero también es cierto que existen infinidad de iniciativas privadas, entendidas como de la sociedad civil, que promueven el Ballet sobre todo en los estados de la República donde hay infinidad de academias, niños y jóvenes aprendiendo y practicando el Ballet pero no compañías ni apoyo oficiales. Opciones que desde luego alimentan el 3% de los que han asistido a una representación de Ballet. ¿O acaso imaginamos que casi tres millones de personas son el público de la Compañía Nacional de Danza?

En lo que pensaríamos de manera inmediata es que se creará un puesto vacante en la compañía que será puesto a disposición en audiciones. Y entonces los jóvenes egresados de escuelas de ballet del país podrían competir para ingresar y tener un desarrollo profesional.  Entonces esto me da pie a hablar del mercado laboral en el ballet y la danza.

De manera amplia el mercado laboral es el equilibrio entre la oferta de puesto de trabajo y la preparación de profesionales en un área específica, en una disciplina o profesión en particular. Así hablamos de mercado laboral de médicos, de ingenieros y en la danza, como la relación entre los egresados de escuelas profesionales y las plazas a ocupar como bailarines profesionales en compañías y grupos profesionales.

En México se habla de dos compañías profesionales de ballet que no llegan a satisfacer la demanda de ocupación de los egresados de escuelas profesionales, además de escuelas y academias particulares que forman bailarines. En apariencia hay pocas posibilidades de bailar de manera profesional en México

Aunado de que las audiciones del Compañía Nacional de Danza no son exclusivas para bailarines de escuelas oficiales y son abiertas inclusive para bailarines extranjeros entonces se avizora un competencia que se amplia y no asegura que los egresados ocupen puestos en las estructuras institucionales. Entonces ¿para qué seguir formado bailarines profesionales? ¿Formarlos para que continúe la “fuga de talentos” que bailará en otros países?

Luego hay que considerar la demanda que se tiene del ballet entre la sociedad. En esto tenemos un instrumento reciente: la información en la Encuesta Nacional de Hábitos, Practicas y Consumos Culturales (CONACULTA: 2010) que nos indica que de los encuestados, en doce meses (entre 2009 y 2010), el 17% asistió a una función de danza, y de ese 17% lo hizo en una función de ballet. Un dato que visto de manera dura y fría denota un poco asistencia al ballet. Entonces, también en apariencia hay poco público para la danza.

La lectura entre líneas de la Encuesta nos da otros datos. Si hacemos una transpolación  de porcentajes al número de habitantes del país. Estamos hablando que poco más 17 millones de personas han visto danza (descontando los festivales escolares) y de esos 2,890,000 han visto ballet,  siguiendo las tendencias que marca la encuesta.

Luego, comparando porcentajes con otros países no salimos tan mal parados. En Inglaterra se calcula un 4% de asistentes al ballet y en México 3%. Algo significativo por la comparación con un país “balletómano”.

Alguien leerá fríamente que un porcentaje del 3% es suficiente y que no hace falta formar más bailarines ni compañías, ni programar más ballet

¿Y si hacemos una lectura más creativa?  Esto lo veremos en la segunda parte de este texto

En primer término es la presencia de los maestros-jurados: Cuauhtémoc Nájera, Laura Morelos, Raúl Fernández y James Kelly. Los tres primeros ex bailarines principales de la Compañía Nacional de Danza; el primero además ex director de dicha compañía.

Todos tienen la particularidad de un conocimiento exento de pedantería que ayudará en los momentos de divulgación de los saberes en torno a la historia, repertorio y técnica del Ballet. Lo que parece un poco desgastado es esa forma de entrevista en un sillón con un librero detrás. Los cuatro se llevan bien, retratan bien, los comentarios en las audiciones, en aparente fuera de cámara fueron muy ingeniosos y hasta divertidos.

Una de las aportaciones iniciales del programa es que le creemos de manera fehaciente a Cuauhtémoc como director artístico del proyecto. Él tiene la encomienda de aprovechar las potencialidades artísticas de los participantes. Su experiencia y capacidad de diálogo con los bailarines que participaron en las diversas audiciones así lo demuestra.

Caso contrario con Sasha Sokol, una cara bonita contratada por los productores para atraer a los espectadores de otros ámbitos artísticos. Su participación fue menos que discreta, sólo anunciando los premios a los ganadores. Ojalá  siga así y no adquiera un protagonismo que no necesita el programa.

Lo que sí necesita es dejar la intención de provocar lástima al mostrar las penalidades y sufrimientos de los bailarines. La grabación del llanto de los aspirantes rechazados se repitió hasta el aburrimiento.  Un tono melodramático recurrente no le dará el éxito a la emisión, sino mostrar el talento de los participantes y la riqueza de movimiento y la danza.

El programa  inicio con cierto interés, el mostrar las audiciones en varias ciudades del país. La exigencia de los jurados, el entusiasmo de los bailarines. Una edición que daba un ritmo fluido y entretenido. Sin embargo, éste decayó por la repetición de prácticamente lo mismo, audición tras audición provocando al final una aburrida monotonía. Quienes salvaban la situación fueron otra vez los maestros y sus comentarios.

Ya con los participantes seleccionados y con tareas específicas por realizar, la producción del programa deberá demostrar su capacidad en la realización televisiva. No sólo se trata de una emisión documental de la vida cotidiana de bailarines de danza, sino un programa de televisión de un arte: la danza que tiene múltiples aristas por explotar. Un reality show con un tema cultural.

Bien inicia Opera prima en Movimiento con otro ingrediente primordial, que el propio Cuauhtémoc anuncia: el talento y la entrega de cientos de jóvenes por el arte. Sólo veinte fueron seleccionados, pero son la muestra de la vocación por una disciplina. Ayudará mucho las preguntas sobre sus motivaciones, sobre que sienten o piensan mientras están ahí girando o saltando; mientras nos sorprenden y maravillan.

Muchas más maravillas esperamos de Opera Prima en Movimiento, producción del Canal 22 de México

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hecgaray@yahoo.com.mx

El financiamiento de la cultura y el arte en nuestro país es un tema que se ha soslayado por prejuicios y por falta de estrategias de desarrollo de la actividad cultural. Por una los festivales crecen como una opción de difusión de la cultura. A menudo son iniciativas de artistas y promotores profesionales apoyadas por gobiernos locales y federales ven con buenos ojos la proliferación de festivales.

Sin embargo, al momento de entrar a solventar el presupuesto que implica realizar un festival las ausencias o contradicciones afloran. Los recursos no aparecen con el mismo interés ni con la lógica de comprender la economía cultural que implica un festival.

El cálculo del costo de un festival es uno de las obligaciones de los organizadores. A veces se omiten gastos reales o son solventados por los promotores del evento con el afán de llevarlo a cabo. Así se omiten sueldos, se reducen gastos de publicidad y formación de públicos. Y en general se contratan servicios lo más barato posible.

Es una realidad que los gobiernos locales y federal sólo cubren una parte del presupuesto que significa realizar un festival. La otra parte tienen que buscarla los organizadores de manera inteligente.

Las posibilidades son múltiples: patrocinios, venta de servicios y souvenirs. En esta materia hay que innovar y está todo permitido mientras sea lícita. Entonces porque si no se puede apoyar un festival en todas sus necesidades económicas porque se le pone trabas burocráticas para impedir su financiamiento.

Un ejemplo de esto es la Red de Festivales de Danza, una red que nació para apoyarse mutuamente, compartir experiencias, compartir programación y no para repartir un exiguo presupuesto con reglas de operación que limitan el desarrollo no sólo de la red, si de los festivales en particular.

Mientras, por una parte el INBA fomenta el apoyo a la producción del teatro a través de créditos fiscales de impuesto sobre la renta (Efiteatro) impide que festivales puedan tener ingresos complementarios para llevar a cabo sus actividades.

Es el caso del Festival Avant Garde de Danza que se realiza en la ciuadad de Mérida, Yucatán al que le fue negado el apoyo que anualmente le da la Coordinación Nacional de Danza del INBA, porque realiza en el mismo momento del festival un concurso en donde cobra inscripciones. ¡Válgame semejante pecado!

Específicamente está cobrando por un servicio que atrae participantes que salen satisfechos por su participación en el concurso, y cuyo público que viene a verlos se vincula a las funciones del festival.

El pecado parece estar en que se mezclan lo que para la Coordinación Nacional de Danza no deberían mezclarse. Jóvenes aficionados (amateurs) y sus familias con bailarines profesionales. ¡Válgame de nuevo! Si eso es lo que se hace en otras latitudes. Por eso está tan baja la participación de públicos en la danza contemporánea por la línea de separación entre “exquisitos y excelsos” diferentes a los pobres subalternos que no tienen derecho a pisar el escenario el mismo día que un bailarín profesional.

Actitudes más flexibles e innovadoras nos hacen falta para mejorar el desarrollo de la difusión y promoción de la danza en nuestro país y no trabas y trabas burocráticas para demostrar que se es muy eficaz.

Es cierto que de la otra parte hay también deberes. El festival Avant Garde debe demostrar transparencia e informar cuanto de lo que ingresa por motivo de concursos es aplicado a los gastos del festival. Y desde luego no echar las campanas al viento y suponer que si bien las familias que van a ver a sus hijos concursar ya son público aficionado a la danza contemporánea, porque es un recurso artificial que se intercalen presentaciones de profesionales entre las jornadas de concurso.

La danza contemporánea, pero sobre todo nuestra sociedad merece ideas más inteligentes y visiones amplias para tratar los temas de políticas culturales y reglas de operación de las actividades artísticas incluidas los festivales. Debemos recordar que se trabaja con recursos públicos, del presupuesto del INBA para la Red de Festivales, así como los recursos que deciden otorgar las personas que participan en los concursos del Festival Avant Garde y en ambos casos no debe defraudarse la confianza.